ARTE

LUCAS STOESSEL
by Romina Amodei

“Lo más digno que hay es desarrollar una obra con la sinceridad de la esencia de cada uno”

Lucas Stoessel es artista plástico argentino.

Cuando la inspiración se vuelve poesía la magia sucede. Así se despliega el talento de Lucas sobre sus lienzos, con una mirada profunda y sensible, ve todo aquello que no se ve, dándole mil posibilidades al encuentro genuino.

Empezó a los 7 u 8 años con su vocación artística, recuerda.

“Recortaba personajes de las revistas para niños de esa época, Anteojitos, Billiken, entre otras, y los recontextualizaba en espacios dibujados por mi: edificios, autos; los hacia dialogar, les inventaba historias, sin querer creo que estaba sentando algún tipo de base para lo que luego sería mi preocupación: “la combinación de lenguajes”.

Sin que nadie se lo haya enseñado previamente Lucas ya estaba armando collages. Una especie de arte “kalkitense”, como él dice: “quién no recuerda aquellos “kalkitos”. Pocas veces era tan feliz como cuando mis viejos me regalaban un kalkito y al abrirlo me daba cuenta que era el dueño de una historia a desarrollar”.

¿Sos autodidacta o tenés formación académica?

- En general me desarrollé en forma autodidacta pero con el tiempo me fui dando cuenta que el techo que tenía era muy bajo y me repetía en mis artilugios para “salvar” una obra. Fue entonces, ya hace algunos años cuando tomé la decisión de adquirir más conocimientos con mi gran maestro, Nicolás Menza, sobre las artes plásticas, el lenguaje poético y pictórico. A partir de ahí mi trabajo tomó un vuelo real, pude empezar a desarrollar mi obra en serio, antes lo que estaba haciendo era “carretear”, haciendo un paralelo con la aeronavegación si se quiere.

¿Te acordas en qué momento hiciste el “click” para dedicarte a la pintura a full?

- Me acuerdo que estaba en la oficina, qué épocas aquellas, y me urgía tanto salirme de ese mundo que dibujaba en “post-it” con biromes y liquid paper! Era terrible! Un día sin querer me puse a pintar una fotocopia con marcador fluo y pronto todas las historias que había creado de niño con los collages, los kalkitos, los afiches intervenidos en la facultad, absolutamente todo cobró sentido.

Había nacido para Lucas la foto-pintura que no es lo mismo que la fotografía intervenida, aclara.

“La gran diferencia radica en que la fotografía intervenida nunca se despegan del todo del lenguaje fotográfico. En cambio en ésta técnica descubierta por azar la idea es llevar la foto hacia el lenguaje de lo pictórico, que se pierda, que nazca la pintura, pero que en el fondo haya una sutil combinación de ambas.

¿Cuál son los temas que te interesan para crear?

- Lo cotidiano sin duda alguna, las miradas de la gente, los mundos personales de cada uno, los sueños, las angustias, el paso del tiempo, los lugares propios, los lugares anhelados, la vida representada por los detalles ínfimos, esos que eluden las superproducciones.

¿Qué te impulsa a seguir pintando?

- No lo sé. Hay algo mágico que no se puede explicar con palabras, el encuentro con la tela en blanco, el trabajo, el desarrollo de una “nada” hacia un “todo” (o hacia una parte del todo), eso es mágico.

“Una vez escribí una leyendita al costado de un cuadro, se la dediqué a una amiga que estaba en una de sus crisis, ella adoraba mi obra y la tenía en su casa.
Esgrafié: “antes, no había nada”.

Puede que nunca la haya leído, pero mi mensaje fue algo así como: “lo único que existe es la voluntad de ser, de existir y accionar”. Cuando pienso, imagino, caigo en la conclusión que esto es INABARCA BLE, que existen una infinidad de posibilidades de combinación de colores, formas, que me estremece y por más que a veces hago agua y siento estancada mi producción, sé que me espera la sorpresa del encuentro, el descubrimiento con un mundo mucho mayor a mis posibilidades de raciocinio.

¿Qué te interesa transmitir con tus cuadros? Y cuál es el clima que se genera en los mismos?

- No me interesa transmitir nada en particular, eso se lo dejo al espectador, que cada uno sienta o piense lo que pueda o quiera. Casi nunca hago una obra pensando en alguna connotación, simplemente son.

En general el clima es intimista, creo, por la temática de la gente, lo urbano, lo hogareño, el mundo privado.

¿En qué momento te surge componer un lienzo?

- La mayoría de las veces hay una imagen que sucede en mi cotidianeidad que me dispara un cuadro.

Una situación puede ser: estoy en la casa de una amiga ella me está cocinando un rico guiso y ambos compartimos una charla y unas cervezas heladas, ella se da vuelta y la luz de la lámpara de la cocina hace que su cara se recorte contra la pared y en el brillo de su copa me veo reflejado, hecho!, ahí nace un cuadro. En ese mágico momento que se congela en mi alma y me devuelve una mirada poética sobre esa escena “cotidiana”, relata inspirado.

Como profesor, ¿qué es lo que más te interesa que comprenda un alumno?

- Me interesa que pueda desarrollar el entendimiento de la observación, la capacidad de trabajo, el culto a la poesía, de lo que no se ve, que pueda empezar a ver en vez de mirar, que entienda que el arte no es un cuadro que se vende sino el alma que se expresa de tal o cual manera, que lo más digno que hay es desarrollar una obra con la sinceridad de la esencia de cada uno.

¿Tenés prevista alguna exposición para este 2010?

- Sí, en mayo se inaugura el Mural del Bicentenario en el cual participo con un retrato de René Favaloro. Es un mural que se va a instalar en el Tigre que luego recorrerá todo el país.

En Octubre voy hacer una muestra en el museo Municipal de Rafaela junto con tres colegas a fines de diciembre inauguro en el Camarín de las Musas en Palermo y creo que la muestra se quedará durante todo el verano 2011.

Para conocer más obras del artista: www.lucasstoessel.com.ar

" La cosa più dignitosa che c'è, è sviluppare un’opera con la sincerità dell’essenza di ognuno"

Lucas Stoessel è un artista plastico argentino.

Quando l'ispirazione torna ad essere poesia la magia succede. Così succede con il talento di Lucas sulle sue tele, con un sguardo profondo e sensibile, guarda tutto quello che non si vede, dando mille possibilità all’ incontro genuino.
Ha cominciato ai 7 o 8 anni con la sua vocazione artistica, ricorda.
"Tagliavo personaggi dai giornalini per bambini di quell’ epoca, "Anteojito, Billiken", tra altre, e ricontestualizzavo in spazi disegnati per me: condomini, macchine; le faceva dialogare, creavo storie, senza volerlo avevo fatto le basi per quello che sarebbe statala mia preoccupazione: la combinazione di linguaggi"
Senza che nessuno gli abbia insegnato Lucas già faceva collages. Una spezie di arte "KalKitense", come lui dice: "qui non ricorda quelli "kalkitos" (disegni che si attaccavo alla carta foglie dopo frizionare sul foglio dove se trovavano). Poche volte era tanto contento come quando i miei genitori mi regalavano un "Kalkito" e al aprirlo capivo che era il padrone della storia a sviluppare".

Sei autodidatta o hai una formazione academica?
- In generale mi sono sviluppato in forma autodidatta ma con il tempo ho capito che il tetto che avevo era molto basso e mi ripetevo nelle mie tecniche per "salvare" l'opera. Fu allora, diversi anni fa che ho preso la decisione di acquisire più conoscenza con il mio gran maestro, Nicol·s Menza, su arte plastica, il linguaggio poetico e pittorico. Da lì il mio lavoro ha preso un volo reale, ho cominciato a svilupare la mia opera seriamente, prima ero un aereo che rimaneva sempre in pista, facendo un parallelo con la aeronavigazione...

Ti ricordi quando è stato il momento del "click" per dedicarti alla pittura full-time?
- Mi ricordo che stavo nell’ ufficio, che ricordi, e avevo tanto bisogno di uscire da quel mondo che disegnavo nei post-it con pennelli e correttore! Era terribile! Un giorno senza volerlo mi ero messo a dipingere una fotocopia con l’evidenziatore e subito tutte le storie che avevo creato da piccolo con i collages, i "kalkitos", le locandine fatti nella facoltà, assolutamente tutto aveva preso senso.

Era nata per Lucas la foto-pittura che non è la stessa cosa della fotografia modificata, spiega.

"La gran differenza sta nel fatto che nella foto modificata mai si lascia del tutto il linguaggio fotografico. Invece, in questa tecnica scoperta per caso l'idea è di portare la foto verso il linguaggio pittorico, che si perde, che può far nascere la pittura, ma credi che abbiano entrambe una sottile combinazione.

Quale sono i temi che ti interessano per creare?
- La quotidinità senza dubbi, gli sguardi delle persone, i mondi personali di ognuno, i sogni, le angosce, il passare del tempo, i posti propri, i luoghi deserti, la vita rappresentata dai dettagli infimi, quelli a cui non fanno caso le superproduzioni.

Cosa ti spinge a continuare a dipingere?
- Non lo so. C'e qualcosa magica che non posso spiegare con parole, l'incontro con la tela bianca, il lavoro, lo sviluppo dal "niente" al "tutto" (o verso una parte del tutto), quello è magico.

"Una volta ho scritto una leggenda piccola a fianco di un’opera, l’ avevo dedicato ad una amica che stava in crisi, lei adorava la mia opera e l’ aveva con sè nella sua casa.

Ho scritto: " prima, non c'era niente"

Può darsi che mai l’ aveva letto, ma il mio messaggio fu qualcosa come: "l'unica cosa che esiste è la volontà di essere, di esistere e muovere". Quando penso, immagino, arrivo alla conclusione che questo è inanarcabile, che esistono infinità di possibilità di combinazioni di colori, forme, che mi estremece e anche se qualche volta sento che la mia produzione finisce, so che mi aspetta la sorpresa dell’ incontro, la scoperta di un mondo molto più grande alle mie possibilità di ragionamento.

Cosa ti interessa trasmettere con le tue opere? E quale è il clima che si genera con loro?
- No mi interessa trasmettere niente in particolare, quello lo lascio allo spettatore, che ognuno senta o pensi quello che può o vuole. Quasi mai faccio u’ opera pensando ad alcuna connotazione, semplicemente sono.
In genere il clima è intimo, credo, per la tematica della gente, l’ urbano, il casareccio, il mondo privato.

In che momento ti viene di comporre un’opera?
- Quasi sempre c'e un’immagine che succede nella mia quotidianità che mi spara a una opera.

Una situazione può essere: sono a casa di una amica, lei sta cucinando un buon minestrone e condividiamo una chiacchiera e delle birre gelate, lei si gira e la luce del lampadario della cucina fa sicché il suo viso si ritagli contro il muro e riesco a vedere il mio riflesso nella brillantezza del suo calice, ecco !, è lì che nasce un quadro. In quel momento magico che si congela nella mia anima e mi torna uno sguardo poetico su quella scena "quotidiana", racconta ispirato.

Come insegnante, cos’è che ti interessa di più che venga capito dall'allievo?
- M’interessa che possa sviluppare il senso dell’osservazione, la capacità di lavoro, il culto alla poesia, di quello che non si vede, che possa incominciare a vedere invece di guardare, che capisca che l'arte non è un quadro che si vende ma l’anima che si esprime in un modo o in un altro, che la cosa più dignitosa che c'e è sviluppare una opera con la sincerità dell’essenza di ognuno.

Hai previsto alcuna esposizione per questo 2010?
- Si, a maggio c’è l’inaugurazione del Murale del Bicentenario (in Argentina) al quale ho partecipato con un ritrato di René Favaloro ( noto chirurgo-cardiologo argentino). E' un murale che si installerà nel Tigre e che dopo viaggerà per tutto il paese.

Ad Ottobre farò una mostra al Museo Municipal de Rafaela insieme a tre colleghi, a fine dicembre inaugurerò nel Camarin de las Musas a Palermo(Argentina) e penso che la mostra rimarrà aperta durante tutto l'estate 2011.

Per conoscere più opere dell’artista: www.lucasstoessel.com.ar